“El Espíritu de El Agua es Una”

Frente a una tarea que parecía imposible, el artista Jason Botkin y yo nos reunimos frente al kiosco que fungía como centro de operaciones del proyecto “El Agua es Una”. Había una sensación de alarma pero dominaba la sobriedad ante el reto de terminar los murales de la cúspide del Domo en el reducido tiempo aún disponible.

Los primeros once días de trabajo habían sido tan duros que el equipo ya mostraba señas de agotamiento y con menos de diez días restantes, enfrentábamos la posibilidad de que el pináculo quedara inconcluso. Así es que Jason y yo promovimos una conversación con varios miembros del equipo, con el fin de encontrar una solución. La idea de dejar inconclusa la parte superior de la obra era dolorosa, pero el trabajo se evidenciaba complejo y peligroso. Mediante una acalorada discusión fluyeron ideas y consideraciones de seguridad, hasta que acordamos una estrategia, y Botkin asumió decididamente el desafío.

Días después, el aire alrededor del domo se sentía denso con el aroma del copal, la vibración de la concha de armadillo y las alabanzas de los danzantes concheros. Don Manuel Rodríguez, capitán general del grupo chichimeca “In Xochitl in Cuícatl” comandaba a su grupo de danzantes en la bendición de cada uno de los artistas y murales, avanzando alrededor del Domo en el sentido de las manecillas del reloj, expresando unidad y completitud. La aprensión se había transformado en una eufórica celebración al contemplar nuestro trabajo terminado y la ofrenda solar creada por el artista canadiense en la parte más alta de la cúpula, ¡en tiempo y forma!

 

Y necesariamente nos preguntábamos: ¿qué es lo que nos mueve a emprender un trabajo voluntario de esta magnitud?

La respuesta viene rápido a la mente de quienes trabajamos en el proyecto. “El Agua es Una” nos dio una experiencia de máxima intensidad vital y un dialogo relevante con el pueblo. Cada pincelada conectó al artista con un estado meditativo, una búsqueda creativa de símbolos para expresar nuestra identidad personal y colectiva. Cada pieza de arte expresó compromiso con la supervivencia de la humanidad frente a los retos ambientales que ponen en peligro al agua y los ecosistemas. Cada participación voluntaria propagó la exploración individual de la libertad cultural. Lo hicimos para inspirarnos a la transformación positiva de nuestro entorno, lo hicimos porque es bueno y porque podemos. ¡Y lo hicimos!

Entre las decenas de generosos participantes, deseo escribir sobre la contribución de mi amigo Jason, quién diariamente barría el piso de la casa donde hospedamos a los artistas, quién pasó días colgando de una cuerda de rappel para plasmar la ofrenda solar que sólo se puede contemplar desde el cielo, quién perdió siete kilos de peso a lo largo de tres semanas de trabajo extenuante, y quién ofreció apasionadamente una solución para lograr nuestra meta.

Así fue: nos encontrábamos reunidos frente al kiosko, uniendo nuestras manos como una partida de guerreros y hermanos, para dar poder a nuestro reciente compromiso, a pesar de la incomodidad de algunos sobre los riesgos de la tarea. Y de esa manera creamos un pacto mágico. Jason tomó el desafío y personificó el espíritu del proyecto: ofrendar talento, vida y recursos en la creación de algo impecable, obsequiando un ejemplo de sueños hechos realidad, e impulsando un acto monumental de producción comunitaria.

 

Existen grandes obras de arte urbano en el mundo de hoy. Cada aficionado lleva en su mente una lista priorizada de sus piezas favoritas. En mi propia lista subjetiva, nuestro Domo está en primer lugar, con su bóveda celeste plantada firmemente, representando la danza del cielo con la tierra mediante el cordón que sostiene el péndulo de Foucault. Así nace el poema que expresa el espíritu del proyecto, que es también el poema que dejaron nuestros ancestros para dar cohesión a las muchas identidades mexicanas: “En el ombligo de la Luna, en el centro de la Tierra, donde ofrecemos nuestro corazón al Sol.”

Este monumental mural de murales, en sí una meta-narrativa, define un paradigma nuevo y paradójicamente muy antiguo: inspirar al pueblo a recordar el poder de su capacidad colectiva para crear y transformar sus circunstancias, que es mucho más grande que el de cualquier individuo que actúa para sí mismo.

Édgar Sánchez,

Fundador, Nueve Arte Urbano

Paola y su pasión.

Por Chema Noriega. Fotos Yoshi Travel, Eddgar Arcane  y Gabriel McCormick


Los humanos somos un conglomerado de realidades, producto de los discursos a los que estamos expuestos en el día a día. En la construcción de nuestra identidad, optamos por personificar aquellos valores e ideas que mejor empatan con nuestra subjetividad, aun cuando esto signifique oponerse a un sistema cultural con siglos de arraigo y arriesgar la vida en el proceso. Esta es la realidad de la mujer en nuestra época, una lucha por acabar con la avalancha de violencia tácita y estructural que, a pesar de la proliferación de acciones y discursos en favor de la equidad de género, pareciera que su aumento es directamente proporcional a la cantidad de voces que se levantan en su contra. En ese sentido, el arte se plantea como un medio ideal para la denuncia de los patrones patriarcales que, impregnados en nuestra cultura, degradan, minimizan y destruyen la integridad de millones de personas que, por el simple hecho de ser mujer, padecen las vicisitudes de una hegemonía absurda.

 

Paola en el Domo Foto Eddgar Torres.

El arte y el arte urbano, concretamente, no solo denuncian situaciones, sino que también ofrecen alternativas, cursos de acción que permiten erradicar un problema o transformar, paulatinamente, un sistema de creencias, una idea o una simple conducta. Para ello, el arte no debe estar limitado a un sector específico de la población. Paola Delfín, originaria de la Ciudad de México, es una artista contemporánea cuya obra explora la belleza y la sensibilidad que circundan la figura femenina. Altamente influenciada por las técnicas de ilustración, Paola logra incorporar elementos de la feminidad, creando contrastes dinámicos que intentan darle vida propia a su obra. Su filosofía gira en torno a que el arte debe estar accesible en todos lados, «mi pasión es crear, ser capaz de contar una historia con mis manos a través de imágenes que involucran al espectador en la historia», comenta la misma Paola para su biografía en la plataforma Widewalls, resaltando la importancia de que las manifestaciones artísticas salten de las galerías a las calles en un intento por volver más accesible el medio.  

El acercamiento de Paola Delfín con el arte se produjo desde muy temprana edad. De niña siempre vio en el lápiz y el papel, la posibilidad de visualizar su realidad a través del dibujo. En su misión de llevar su arte a todos los lugares posibles, Paola ha experimentado con diferentes técnicas y formatos para catalizar sus ideas y emociones, encontrando en el muralismo el medio ideal para hacer llegar su mensaje a la sociedad, apartándose de la exclusividad que suele envolver el medio artístico, para propiciar una verdadera interacción entre la audiencia y la obra artística, que invite a la reflexión y propicie la acción.

Paola Foto Gabriel McCormick

Paola ha logrado llevar su obra a calles y galerías de todas partes del mundo, países como Alemania, Argentina, Colombia y España, han sido testigos de cómo la fluidez de sus trazos logra apropiarse de grandes muros para visibilizar la fuerza de su trabajo.

Paola pintando Foto de Yoshi travel

Actualmente Paola Delfín se encuentra pintando en la cúpula del péndulo de Focault para  SeaWalls: El Agua es Una, una nueva edición del programa SeaWalls: Artists for Oceans de la Fundación Pangeaseed, producida por Nueve Arte Urbano.

Puedes conocer más del trabajo de Paola en:

https://www.instagram.com/paola_delfin/?hl=es-la

https://www.facebook.com/paoladelfinmx/

Desde Querétaro el agua es una.

Por Ricardo Quezda.
Fotos Gabriel McCormick, Eddgar Torres y Yoshi Travel.

Inicia Festival intercultural de Arte Urbano en la ciudad de Querétaro del 27 de marzo al 15 de abril.

Si en esta temprana edad del siglo XXI pudiéramos hablar de una corriente artística predominante en el mundo, esa sería el arte urbano. El movimiento de plástica monumental, que toma sus influencias del muralismo, el grafiti, las intervenciones públicas y hasta de las más sagaces activaciones publicitarias, ha concretado con su crecimiento la culminación de una idea social que emanó de los valores más profundos de la humanidad cuando se proclamó la revolución francesa en el lejano 1776, concretando el arte como un derecho universal al que toda la población debe tener acceso, el filo más brillante en el arsenal de la democratización y la proliferación cultural.

Domo desde abajo Foto Mc/Eddgar

Hoy en día, este movimiento que si bien tiene sus ponentes y sus detractores, ha evolucionado y encontrado un nicho social mediante su síntesis como herramienta que da voz a los ignorados, levanta con fuerza los mensajes de los preocupados y encuentra su catarsis en la calle, donde los transeúntes pueden ser impactados, motivados y en el más benigno de los casos inspirados y encausados. Gracias a esta última cualidad el arte urbano ha encontrado un nuevo paradigma, el artivismo que convoca a artistas de todo el mundo a tomar las bardas y paredes que componen el panorama de una ciudad para calar en lo más profundo de sus cicatrices sociales y develar uno de los retos a los que se enfrenta la ciudadanía, generando mensajes concisos que les permitan tomar acciones asertivas antes de que sea demasiado tarde y se pase a ser de un reto a una verdadera dificultad para que esa sociedad encuentre progreso y asegure su supervivencia.

Este esquema, de encontrar los elefantes en el cuarto, ha dotado al arte urbano de una capacidad diferenciadora entre las corrientes actuales que predominan en los museos pues, contrario al arte contemporáneo y sus estatutos complejos y letrados, el arte urbano nace de la ramplonería, de lo sencillo, honesto y crudo de las calles, de las latas de aerosol escupiendo pintura a las brochas pasadas por agua y thinner, del camión entonando la canción del ‘panadero con el pan’ a las fiestas del pueblo.

Pogo Por yoshi travel

Gracias a esto, el artivismo como ramificación del arte urbano logra conectar con la gente, mejorando la relación vecinal, visibilizando las raíces olvidadas de una nación oprimida o contribuyendo enormemente a la preservación de la vida marina, como lo ha hecho Nueve Arte urbano, en Querétaro y Estonia a través del transgrafiti, o Pangea Seed mediante su artivismo en ciudades costeras de todo el mundo. Como en su momento con el muralismo, México se coloca como uno de los principales exponentes del arte urbano, gracias a distintas iniciativas públicas y privadas pero sobre todo a las enormes ansias y deseos de los artistas, graffiteros, ilustradores, diseñadores y entusiastas que componen la escena nacional del arte urbano. De entre todos ellas y desde hace varios años Nueve Arte Urbano, cuya sede radica en la ciudad de Querétaro, ha logrado establecer un modelo viable para la apropiación positiva de espacios urbanos con causas colectivas.

 

Ryper Foto Yoshi Travel

Tras una compleja misión en Estonia en el año 2017, con el festival de transgrafiti “Mextonia”, Nueve ha regresado a la ciudad que la vio nacer y en conjunto con Pangea Seed Foundation, uno de los principales impulsores del artivismo a nivel mundial, desarrollan el “Festival El Agua es Una” en el Centro Cultural Manuel Gómez Morín CECEQ en la ciudad de Querétaro, con la finalidad específica de generar murales que evoquen las problemáticas del agua en la actualidad y le permitan a los ciudadanos de todo el mundo tomar iniciativa y empezar a impactar de manera positiva su entorno.

Conferencia de Prensa El Agua Es Una Foto Archivo Nueve

Con la participación de más de 16 artistas nacionales e internacionales, el festival entrelaza las cualidades del transgrafiti y el artivismo, desarrollando una serie de propuestas pictóricas que componen una meta obra de arte dentro del edificio cilíndrico cuyo domo sostiene un péndulo de Foucault y que a su interior alberga el museo de Ciencia y Tecnología “El Péndulo”. Como las ondas que se forman cuando una gota rompe la superficie de un cuerpo de agua, el festival busca que el CECEQ sea el epicentro de una revolución consciente en el cuidado y manejo de los recursos hídricos, dicho de otra forma, que los ciudadanos desperdiciemos y contaminemos menos agua al realizar nuestras actividades cotidianas. Con la intención de generar un mensaje que se propague, el festival concentrará sus labores en el CECEQ, creando un ojo del huracán, donde estarán pintando Aaron Glasson, Curiot Tlapazotl, Demencia, Goal, Jason Botkin, Mantra, Nosego, Paola Delfín, Pogo, Renata, Ryper, Sermob, Smithe y Sänk, junto con los maestros pintores Jorge y Fernando Lucio, de donde se desprende la serie de murales afluente encabezados por Saul Torbe, Miguel Valiñas, la Xfamilia, Roco Oñate, Lelo y Root Rises.

Equipo de producción en andamio 4 foto Yoshi Travel

El arte como una colección de momentos, la propuesta de Nosego

Por Chema Noriega.

¿Qué significa ser artista en la actualidad? ¿Qué es el arte en pleno 2018? Como en todo, la historia nos ha demostrado que la concepción del arte y lo artístico han ido evolucionando entre épocas y sociedades. Desde las pinturas rupestres en las cuevas alrededor del mundo, mismas que dieron paso a las manifestaciones artísticas que contaron la historia de las grandes civilizaciones desde China hasta Mesoamérica, pasando por el arte elitista de las monarquías europeas y el renacimiento, hasta llegar a las vanguardias del siglo XX que diversificaron y democratizaron el plano artístico a nivel mundial, asentando el camino para todas las disciplinas, técnicas y medios de expresión artística que, hoy en día, catalogamos o intentamos catalogar como arte.

¿Qué es lo que hace que todas esas formas, ritos, trazos, experiencias, manchas y sonidos se unifiquen bajo una misma palabra? A decir verdad, creo que nunca lo sabremos y, más que acercarse a un consenso, el debate sobre la definición de lo artístico se encuentra en constante expansión, de la mano de la evolución de los medios con los cuales se puede crear una pieza artística y los espacios en los que esta pueda ser exhibida o distribuida.

House of Hayes. Mural de Nosego en Philadelphia, PA. Via www.nosego.com

En estos tiempos de ambigüedad o pluralidad, dependiendo la lente con la que se mire, resulta común cuestionar al artista sobre si su obra es artística o no. Y si una obra no es arte, ¿entonces qué es? «Es lo que es. No creo que sea algo único o diferente. Solo estoy siendo yo mismo» así responde Yis Goodwin, mejor conocido como Nosego, en una entrevista con The Hufftington Post cuando le preguntan ¿por qué su arte no es arte? Nacido y formado en Filadelfia, Nosego es un artista contemporáneo multidisciplinario que abraza el arte urbano como una de las muchas plataformas en las que su obra llega al público.

Esa filosofía que le quita etiquetas a las formas de expresión y rompe las barreras que limitan la creatividad, es la que permite a Nosego inspirar a las personas con mensajes traducidos en criaturas fantásticas, que se fusionan con el devenir urbano e impactan el imaginario de las personas en un abrir y cerrar de ojos. Tras haber sido rechazado por diferentes instituciones para exhibir y seguir desarrollando su trabajo, Goodwin vio en la negativa la excusa perfecta para emanciparse de la burocracia que suele opacar el arte, para llevar su obra a los espacios en donde realmente pudiera tener un efecto en las personas: la calle.

Mural de Nosego en colaboración con Forrest For The Trees NW. Portland, OR. Via www.nosego.com

En las composiciones de Nosego convergen diferentes elementos que dan vida a seres oníricos, compuestos de figuras y personajes que emanan de su imaginación. De acuerdo con el mismo Goodwin, estos montajes tienen su origen en la infancia, cuando las composiciones accidentadas que podían surgir al momento de juntar un juguete con otro evocaban en él una nueva posibilidad para crear y jugar. Ahora ese mismo estilo de patrones voluminosos y texturas vibrantes, que conforman personajes convertidos en ecosistemas vivos, tienen su origen en la concepción de la vida como un conjunto de momentos, memorias y lecciones que estructuran nuestra identidad; un todo que nos representa con nuestros diferentes matices y nos define como personas.

Mural de Nosego en colaboración con Branded Arts y Thinkspace Gallery. Culver City, Los Ángeles, CA. Via www.nosego.com

Para Nosego la vida es una colección de pequeños momentos que juntos cuentan una gran historia, con esta consigna busca que su arte lo lleve a lugares donde este conecte con diferentes personas y comunidades, atraído siempre por el misterio de no saber cuál será su próximo destino. Con la llegada de la primavera a la ciudad de Querétaro, llegará también la imaginación de Nosego, para participar en el festival internacional SeaWalls: El Agua es Una a celebrarse del 27 de marzo al 15 de abril del 2018. El Agua es Una, es una colaboración de Nueve Arte Urbano y la Fundación Pangeaseed, en conjunto con diferentes instituciones privadas y gubernamentales, que pretenden aumentar la consciencia con respecto la crisis global que se vive en torno al vital líquido, a través de las posibilidades que ofrecen el arte urbano y el muralismo. Nosego se unirá a un grupo multicultural de artistas que, con aerosoles y brochas en mano, se encargarán de traducir la historia y las problemáticas del agua, en narrativas visuales que conecten con la sociedad, al tiempo que contribuyen al cambio de mentalidad que demanda la situación actual del agua en nuestro planeta.

Unknown Elements. Mural de Nosego en colaboración con Curiot y Branded Arts. Via www.nosego.com

 

Puedes conocer más del trabajo de Nosego en:

https://www.nosego.com/

https://www.instagram.com/nosego/?hl=es

El equinoccio y el equilibrio.

Por Ricardo Quezada.

El 20 de marzo a las 10:15 se dio el equinoccio de primavera, dividiendo el día exactamente en dos partes iguales. Si bien este movimiento natural de la tierra invita a cientos de personas a visitar zonas arqueológicas o maravillas naturales, propone también un momento oportuno para el análisis y la reflexión profunda sobre el balance.

 

Mural de Diego rivera, un águila y bajo ella la conquista armada de los españoles
PALACIO NACIONAL Foto Pegatina 1

Hace millones de años, la tierra era una sola masa continental unida y en balance con la naturaleza y el agua; actualmente la humanidad enfrenta el problema más grande desde su origen, el de recuperar el balance que ha permitido la vida en la tierra. Bajo esta misión, asociaciones, fundaciones, asociaciones, colectivos y sociedad en general se han volcado a las calles para poner el tema en boca mediante el artivismo y otras acciones que buscan la preservación de los recursos naturales, el cuidado de la flora y la fauna, y la búsqueda de la igualdad entre personas sin importar su raza, sexo, sistema de creencias u origen.

 

Mural de Diego rivera, un águila y bajo ella la conquista armada de los españoles
PALACIO NACIONAL

Como en la antigüedad mexicana, la dualidad ha sido siempre un tema fundamental: el día y la noche, la vida y la muerte o los cuatro elementos, son manifestaciones tangibles del orden natural de las cosas, pero sobre todo del balance que rige el mundo; el equinoccio, con su día y noche de doce horas simboliza también una oportunidad de apertura de pensamiento en un año que se antoja complejo política y socialmente. Para las personas de a pie, quienes contemplan y conviven con las manifestaciones artísticas, el compromiso es opcional pero fundamentalmente necesario para lograr un sueño colectivo.

Tunas en nopal de Rivera

Más allá de la contemplación de las manifestaciones artísticas propias del arte urbano, es de vital importancia para equilibrar y calibrar la realidad que los pobladores del mundo entendamos nuestro papel en nuestra sociedad, en su cuidado y en la preservación de los recursos, bajo esta consigna la misión del artivismo se centra si en generar arte, pero sobretodo en generar cambio, no solo a nivel ecológico, sino un en todos los ámbitos que componen la sociedad y la cultura, desencadenando acciones integrales que permitan que cada ciudadano pueda contribuir al florecimiento de una nueva nación en armonía donde prolifere el balance, las igualdades de derechos, obligaciones, seguridad y oportunidades, la preservación de los recursos naturales y el reconocimiento de los saberes históricos para encaminar a la creación de un futuro próspero, como la primavera mexicana es naturalmente desde hace millones de años.

El Domo

Por Édgar Sánchez.

La media esfera representa la bóveda celeste. En su cúspide, el domo presenta un “óculo”; agujero que abre la bóveda hacia el vacío del cielo, cómo narran los mitos culturales de la humanidad. Del óculo cuelga, 28 metros abajo, un péndulo de bronce de 280 kilogramos. El péndulo evidencia la danza entre el cielo y la tierra, mostrándonos la fuerza de gravedad y el movimiento de rotación terrestre.

Entre el Cielo y la Tierra, un grupo de creadores libres, crearán mensajes pictóricos para inspirar a la comunidad hacia la unidad, hacia la naturaleza y hacia la comprensión de que “El Agua Es Una”.

Antes de que el universo fuera lo que es, había caos, y las conciencias estaban al margen de la singularidad y de la gran explosión. Después, y con el paso de los eones, se separaró el cielo de la tierra, y nuestros ancestros llamaron “Tezcatlipocas” a los cuatro pilares simbólicos que sostuvieron la esférica bóveda celeste, separándola de la cuadrada madre Tierra.

“México” es una palabra misteriosa. Nos llega de un pasado que se pierde entre la polvareda de la historia. Se dice que “México” significa; “en el ombligo de la luna”, en el centro del mundo. A su vez, “Tenochtitlán” significa “tunas sobre piedra”, que en el lenguaje lírico de nuestros ancestros significa “en el corazón de la tierra. Las mil identidades Mexicanas se unen en un racimo bajo esta poesía: “EN EL OMBLIGO DE LA LUNA, EN EL CORAZÓN DE LA TIERRA, DONDE SE OFRENDAN LOS CORAZONES AL SOL.”

Domo 1 Gómez Morín, Foto Gemma Sánchez

Esta es la poesía que nos inspira a crear “El Agua es Una”: El domo y su péndulo representan el ombligo de la luna y el corazón de la tierra, y nosotros los que ofrendamos corazón, trabajo, narrativa, sueños y recursos; artistas, escritores, autoridades, productores y pueblo, agradecemos la vida y pedimos apoyo a Querétaro, para lograr nuestra tarea con la calidad suprema.

Muchas gracias a todas las autoridades, a todos los aliados y a los cuatro pilares del cielo, por permitirnos vivir plenamente, crear y actuar.

Ometéotl (la dualidad gobierna unida sobre el universo)

Domo Gómez Morín, Foto Gemma Sánchez

#pangeaseed #seawalls #seawallsmx #waterisone #artivism#paintforapurpose #protectwhatyoulove #nuevearteurbano #streetart#transgraffiti #transgrafiti #elaguaesuna #culturalfreedom Este festival es realizado gracias al apoyo de Gobierno del Estado de QueretaroSecretaría de Educación del Estado de Querétaro UAQ Universidad Autónoma de Querétaro COBAQPinturas Osel Querétaro, Comisión Estatal de Aguas Querétaro MAPEI de México TMAQ Carranza 50 La Glotonería RMX radio Imagen Querétaro

Murales para la Tierra, un regalo de Jason Botkin

Por Chema Noriega.

Llegamos a marzo de 2018 y la primavera ya se empieza a sentir en Querétaro, con altas temperaturas y soles dignos de la más cálida tarde de verano. Una realidad muy distinta a la de Montreal, Canadá donde, al día de hoy, la caída de nieve deja capas de 20 centímetros de agua en proceso de fusión. La lectura más básica diría que el cambio climático es un mito y que, el hecho de que hoy siga cayendo nieve y acumulándose en autos, banquetas y vialidades, no es más que un síntoma de que las temperaturas están estables y que la Tierra no sufre los estragos de la actividad del ser humano.

Mural de Jason Botkin en SeaWalls:Toronto. Foto de Yoshi Travel.

Lo cierto es que la Tierra es un ente dinámico y sus más 4,500 millones de años de historia, han demostrado que nuestro planeta se encuentra en un estado cambiante y que todo lo que en ella ocurre afecta directamente ese proceso. Nuestra época nos ha planteado diferentes utopías con respecto a la vida en la Tierra en los próximos años, no obstante, la capacidad de entender que los discursos fatalistas en torno al medio ambiente pueden ser erradicados si cambiamos nuestra mentalidad, son un reto constante para las sociedades del mundo.

Mural de Jason Botkin en SeaWalls:Toronto. Foto de Yoshi Travel.

Allá en Montreal, la ciudad que espera impaciente el final de un invierno desfasado, se encuentra Jason Botkin, un artista y productor cuya obra explora las posibilidades del arte no convencional, para inspirar a la sociedad a cambiar su forma de pensar radicalmente, «estimulando una mayor consciencia sobre temas culturales, ambientales, sociológicos y políticos relevantes». A lo largo de su carrera, Jason ha colaborado en la producción de más de 200 murales alrededor del mundo desde 2009, además ha participado en exhibiciones individuales y colectivas en Canadá, Estados Unidos y diferentes países europeos. Al extenso portafolio de Botkin se suma la co-creación y dirección del proyecto EN MASSE, el cual tiene como objetivo explorar la creación espontánea de dibujos en blanco y negro de gran formato e instalaciones públicas.

Jason Botkin. Foto de Yoshi Travel.

Dentro de sus colaboraciones internacionales, Jason también funge como coordinador regional de proyectos para la Fundación Pangeaseed en Canadá. Muchas veces, las problemáticas que intervienen directamente en el calentamiento global, sobre todo aquellas que perjudican a los cuerpos de agua de la Tierra, resultan demasiado complejas, lo cual limita las acciones que las personas pueden emprender para contribuir a su disminución. Pangeaseed, a través de su programa de arte público SeaWalls: Artists for Oceans, tiene el objetivo de aumentar la consciencia en torno a la conservación de los océanos, creando historias visuales de gran formato que interactúan con la sociedad modificando la mentalidad de las personas con respecto al vital líquido y sus ecosistemas.

Mural de Jason Botkin en SeaWalls:Toronto. Foto de Yoshi Travel.

Jason Botkin estará presente en el festival internacional SeaWalls: El Agua Es Una, una nueva edición del programa de PangeaSeed a celebrarse en el Centro Educativo y Cultural del Estado de Querétaro «Manuel Gómez Morin», del 27 de marzo al 15 de abril del 2018. Botkin, junto con un grupo multicultural de artistas comprometidos con la conservación del agua, acompañarán la primavera queretana con pintas que, más que embellecer el paisaje urbano de la ciudad, pretenden crear metáforas visuales que impacten en la mentalidad los espectadores, con la esperanza de que estos mensajes se traduzcan en acciones que permitan recuperar el balance entre los ecosistemas azules de la Tierra.

Mural de Jason Botkin en SeaWalls: San Diego. Foto de Yoshi Travel.

Puedes conocer más del trabajo de Jason en:

http://www.jasonbotkin.com/

https://www.instagram.com/robotkin/?hl=es-la

https://www.pangeaseed.foundation/artists/jason-botkin/

¿Qué Sueña Curiot Tlapazotl?

Por Ricardo Quezada.

Tendido y al borde de la muerte, una criatura sin sentido lo rodeó y comenzó a pronunciar palabras insensatas, pronto se sumaron más bestias de colores furiosos y formas imposibles; una serpiente con patas de gallo, un burro con alas y lengua de fuego, un coyote con alas de gavilán, lagartijas moteadas con garras de león y cuernos, y así varios más que en multitud unieron voces y comenzaron a entonar un sólo canto que los oídos mortales de Pedro fueron entendiendo poco a poco: abje, al, albrej, Lebrija, lebrije, alebrija, alebrije, alebrije… horrorizado y aturdido Pedro corrió con todas sus fuerzas y cuando los pulmones comenzaron a arder y el corazón a dar explosiones en vez de latidos, él trastabilló y con su caída el espíritu le regresó al cuerpo.

Fémurdhy VIA fifty24mx.com

Pedró jaló aire como no lo hacía desde su nacimiento y despertó de su tétrico sueño.  Estaba rodeado de su familia, la úlcera reventada lo tenía muy mal y sin embargo se levantó e intentó explicar lo que había encontrado en el mundo de los sueños. Las palabras no eran suficientes, se aglutinaban en su boca y parecían no tener sentido a los oídos de los que lo rodeaban. Pedro tuvo una idea, tomó sus materiales de trabajo y habló a través del cartón, liberando de esa forma el primer alebrije.

Esto pasó hace muchos años en Oaxaca, pero el suelo nacional tiene la característica de ser muy fértil en creadores. Ahora, cuando visitamos las calles de México, cada vez es más común ver las composiciones artísticas reclamar los muros de concreto llenándolos con los tonos de algún artista en particular. Dentro de la escena del arte urbano mexicano, uno de los artistas más prolíficos e interesantes sin duda alguna es Curiot Tlapazotl cuyo trabajo inevitablemente me hace recordar la historia de Pedro y preguntarme ¿con qué sueña Curiot?

And so It Would Blossom VIA fifty24mx.com

Nativo de Sahuayo Michoachán, hogar también de los zombies del Trino y los tlahualiles, Fabio Martínez mejor conocido como Curiot, desarrolla sus obras en el umbral de lo onírico y lo real, entre lo pop y lo surrealista, desenvolviendo a cada trazo bestias cargadas de folclore mexicano en una adopción y reinterpretación simbólica única y fascinante que, entre otras motivaciones, buscan contagiar a los espectadores de deseo de creación, como una bacteria creativa altamente positiva que contrarreste y brinde una emoción al ciudadano contemporáneo, zombificado y agobiado por el peso de la vida.

De sus cenizas florece VIA fifty24mx.com

Radicado gran parte de su vida en Costa Mesa, Estados Unidos, durante la época dorada del skate, Curiot desarrolló una afinidad por el dibujo que rápidamente se convirtió en amor y regresó a México a los 19 años para ingresar a la facultad de Bellas Artes de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo donde comenzó a desarrollar su estilo que más allá de la figura a veces descompuesta, a veces fina, a veces bestial o intrigante, denota la libertad que ha logrado conquistar en cada trazo decantando en un estilo personal que recuerda un remix entre los bestiarios de Aloys Zötl con influencias de los decks de skate, las criaturas del folclor mexicano, la danza de los tlahualiles y hasta Carrigton.

La libertad es un sueño y en la época actual parece que vivir del arte también lo es, pero más allá del reconocimiento o éxito, el trabajo de Curiot está dentro de los pocos discursos donde queda de manifiesto que vive en su arte, bajo este esquema es innegable que Curiot comparte un fragmento de sí en cada una de sus “cute (de tierno en inglés) y curiosas” criaturas, alcanzando de ésta una capacidad evocativa que transporta inmediatamente al mundo onírico, donde las ideas florecen de entre las cenizas, donde los tlahualiles son criaturas monumentales que se escapan de los lienzos y los animales se fusionan con su entorno y con delicadeza escapan de las paredes para robarle una emoción a las personas para combatir el gris abominable de las ciudades, para regalarnos un poquito de sueños, un poquito de felicidad.

La selva de su palma VIA fifty24mx.com

Tendidos y al asecho de la muerte, la humanidad reposa en sus hogares, sus ciudades o sus calles, alrededor de ellos criaturas hechas de aire, tierra, agua, fuego, hojas, animales y flores abundan en el mundo de los sueños. A la imaginación, sus formas se vuelven imposibles de describir y no es hasta que la mano del Curiot las libera con aerosol o pinceles en un lienzo en blanco de tela o ladrillo y toman posesión del espacio alejando lo muerto y mundano, o al menos eso es lo que pareciera que Curiot Tlapazotl sueña.

Las Criaturas de Curiot Tlapazotl estarán presentes en Querétaro durante el Festival de Nueve Arte Urbano Seawalls El Agua es Una, del 27 de marzo al 17 de abril de 2018 en Querétaro.

Puedes conocer más del trabajo de Curiot Tlpapazotl en:
https://www.facebook.com/El.Curiot/
http://www.fifty24mx.com/artists/curiot/index.html
Más fotografías de the Stills agency:
https://www.facebook.com/TheStillsAgency/

Curiot 2 Foto de The-Stills-Agency para Sea Walls VIA Coolhunter.mx 

#pangeaseed #seawalls #seawallsmx #waterisone #artivism#paintforapurpose #protectwhatyoulove #nuevearteurbano #streetart#transgraffiti #transgrafiti #elaguaesuna #culturalfreedom Este festival es realizado gracias al apoyo de Gobierno del Estado de QueretaroSecretaría de Educación del Estado de Querétaro UAQ Universidad Autónoma de QuerétaroCOBAQPinturas Osel QuerétaroComisión Estatal de Aguas Querétaro MAPEI de México TMAQ Carranza 50 La Glotonería RMX radio Grupo Imagen Digital

Locura visual con Demencia Beivide

Por Chema Noriega.

¿Dónde se origina la inspiración? El ser humano, por naturaleza, vive en una constante pugna interna por reinventarse; el arte, en todas sus vertientes, se presenta como el medio ideal para entrar en catarsis. Si bien las manifestaciones artísticas llegan sin avisar, muchas veces los humanos nos vemos obligados a confrontar los espacios más recónditos de nuestro subconsciente -por intimidante que esto pueda resultar- para que, a través de la observación y el cuestionamiento, logremos encontrar esa chispa que encienda nuestras emociones y clarifique nuestras ideas, permitiéndonos convertirlas en medios tangibles que interactúan con las demás personas.

Desde 2009, Lilian Muñoz, mejor conocida como Demencia Beivide, explora la necesidad de enfrentarnos a nosotros mismos para encontrar paz y plenitud, abrazando «la locura como el personaje que todos evadimos ser». Con un estilo de gráficas complejas y texturas voluminosas, la técnica de Demencia ha ido evolucionado, adoptando la línea como el componente característico de sus obras, la cual «delimita y al mismo tiempo crea». A través de la exploración de la forma humana y su relación con el entorno en el que hoy nos encontramos, Demencia explora los límites de la locura, para abstraer lo más orgánico de la mente. Los colores y las texturas presentes en su obra evocan un diálogo permanente entre el ser humano y la naturaleza a través del tiempo. Formada como diseñadora gráfica por la Universidad del Valle de México en la ciudad de Querétaro, Lilian se mantiene en formación constante aprendiendo nuevas técnicas en talleres impartidos por diferentes artistas.

FRIDA Y CATRINA 2015 . Girona, ESPAÑA. Via Facebook Demencia Beivide ARTE.

Como artista multidisciplinaria ha participado en proyectos de arte urbano y diseño industrial, además de diferentes aplicaciones artísticas como la ilustración y la cerámica, invitando a sus espectadores a reflexionar sobre temas como la identidad y el tiempo. Entre sus trabajos más característicos se encuentran los cráneos de cerámica o como ella los llama «maceteros dementes», los cuales, además de fungir como soporte de vida para cualquier tipo de planta, están inspirados en la cultura azteca donde el cráneo representaba un símbolo de eternidad y resurrección. Demencia crea esta obra en forma de cráneo para reforzar y difundir el simbolismo prehispánico, «personalizando vidas con diseño y folklore mexicano». Así Lilian demuestra que el arte no debe limitarse por el medio en el que es transmitido ya que, como la misma Demencia lo menciona en su sitio web, ella pinta sobre cualquier superficie.

Maceteros Dementes. Vía Facebook Demencia Beivide ARTE.

Demencia Beivide se ha convertido en una artista plástica de renombre en la escena nacional participando en eventos como el 20 Aniversario del Museo de la Ciudad de Querétaro, el Festival Internacional de Jazz de San Miguel de Allende y la feria URVANITY ART 2018 en la Galería Balneario de Madrid. Este año se unirá al grupo de artistas nacionales e internacionales que integrarán el festival internacional SeaWalls: El Agua Es Una, una nueva edición del programa SeaWalls: Artists for Oceans producido por Nueve Arte Urbano y la Fundación PangeaSeed, a celebrarse del 27 de marzo al 15 de abril del año en curso en la ciudad de Querétaro.

Museo del Ferrocarril Aguascalientes
Feria de San Marcos, Invitado Especial Querétaro. Vía Facebook Demencia Beivide ARTE.

Puedes conocer más del trabajo de Demencia en:

http://demenciabeivide.com/

https://www.instagram.com/demenciabeivide/

https://www.facebook.com/artdemenciabeivide/

La X en Xfamilia.

Por Ricardo Quezada.

Citius, altius, fortius, traducido literalmente como más fuerte, más alto y más rápido es el lema del olimpismo y condensa las cualidades a las que aspiran los seres humanos al referiste al deporte. Para los que practican el ejercicio graffitero, las nociones olímpicas no son una doctrina, son una experiencia diaria de vida. Arte más fuerte, muros más altos y  pintas más rápidas son los pilares fundamentales que crearon a la X familia hace diez años, uno de los crews más importantes de México y al que han pertenecido los grafiteros Celso Atler Noise, Spike, Leba, Sekir, Frank y Dark, en una comunidad conformada por artistas de todo el país.

XFamilia en Tlatelolco 1 Para el Festival Transmuta Foto de Eddgar Arcane.

“Un colectivo debe ser multidisciplinario, graffiti, esténcil, roller, brocha, documentaleros y hasta cierto punto eso hace un crew mejor compuesto”. –Frank.

En un país donde el arte es percibido como una herramienta de segmentación demográfica, el arte público representa una de las vertientes de democratización de las expresiones artísticas más fuertes. Bajo esta consigna, los miembros de la X familia creen y han realizado sus pintas con un fuerte mensaje de identidad nacional, creando con un discurso de aerosoles y brochas piezas que buscan arrancar al transeúnte de la monotonía citadina, arrojando un coctel estimulante de colores que por la complejidad y proporciones se convierte en parte de la iconografía urbana, como lo demuestra su pieza Tlazokamatli en Tlatelolco para el Festival Transmuta .

Tlazokamatli en Tlatelolco Para el Festival Transmuta . Foto de Eddgar Arcane

Nacido de la afinidad y el deseo por pintar cada vez muros más grandes, la X Familia se forma de manera no oficial Circa 2008 en algún punto del mapa entre Torreón, Aguascalientes, San Luis Potosí y Tlaxcala, cuando la escena del graffiti mexicano se encontraba en su etapa primigenia y los “super eventos” y las “expos” que celebraban a un crew en una ciudad eran el pan de cada semana; de esta forma se fueron alineando las puntas hasta coincidir en la generación de la original Xtreme Crew, un crew que quería hacer pintas monumentales y extremas, pero ante la necesidad de encontrar un significado que conectara con cada uno de sus miembros y renegando los ideales americanos del mote Xtreme, el Atler AKA el Satánico concibió la idea de la X como la cruz perfecta del equilibro: arriba, abajo, izquierda y derecha, teniendo el familia como consecuencia natural de la hermandad de las personas que tienen años manejando un estilo identitario y sobretodo compartiendo la vida como una familia, como una X-familia.

Boceto Tlatelolco Foto Eddgar Arcane.

Descendientes de un estilo urbano que no se satisface con las pintas al ras del piso, el trabajo monumental de la X familia ha encontrado en su diferenciador fundamental, el formato macro, la capacidad de trascender y romper la naturaleza efímera del grafiti tradicional creando un discurso de la calle, para la calle y con la calle, donde se genera el juego de la interpretación de signos y la valuación masiva de las piezas en una galería pública.

El grafiti no es arte callejero, es algo único, inclasificable y su ilegalidad es innata, pero en los últimos años se ha convertido en manifestación pública de una escena que era invisible a los demás  ciudadanos y que al insertarse en el circuito artístico se balancea dentro y fuera de los márgenes legales para generar Street art y es en este punto donde el trabajo más que una complicación es una forma de vivir o sobrevivir.

Rappel tlatelolco Para el Festival Transmuta 2 Foto Eddgar Arcane

Más allá del romanticismo urbano que pretende reflejar el circuito del Street art mundial donde las pintas salen en Facebook e Instagram y se enaltece la calidad artística o discursiva, los creadores, muchos iniciados como grafiteros, buscan dignificar el oficio y establecer un escenario con mejores oportunidades sí, pero con mayor respeto y humanidad.

“Lo peor de la escena del arte urbano nacional es la forma en la que algunos gestores te dan la vuelta y dejan de ser humanos, es decir, te ven a ti y a tu talento como mercancía. Eso pasa mucho con el arte urbano y el graffiti piensan que por darte un apoyo se pueden decir artistas,  pareciera que creen que pintas y no te cansas, esto no es un hobby es un estilo de vida”.

-Frank y Leba.

Xfamilia en Querétaro 1 Foto Eddgar Arcane

Con sus respectivos altibajos los miembros de la X familia, algunos de ellos casados y con hijos, ven en las nuevas generaciones una oportunidad para recuperar la forma en la que las pintas se generaban: pintar sin esperar a que los inviten, tener iniciativa y, sobre todo, creer en que no hay muro que no se pueda superar en unidad con tus amigos.

Xfamilia en Querétaro 3 Foto de Eddgar Arcane

“Junta tus cositas, tus amigos y ponte a pintar. No se trata de la auto gestión, sino del grafiti de corazón, de la calle, en la que se hacen las pintas domingueras por ejemplo”.  -Frank.

En la calle existen códigos y adagios que de una forma u otra norman el grafiti y de la misma manera la unión de artistas con gestores busca crear la unión. La colaboración de Nueve Arte Urbano y X familia ha logrado generar hermandad entre sus personas quedando de manifiesto cuando la pieza está terminada en tiempo y forma, como si fuera un regalo para la ciudad.

Xfamilia en Querétaro Aerea 2 Foto de Eddgar Arcane

El futuro está colmado de murales, aerosoles y pintas para la X familia, un balance entre colores, andamios, lifts, puntas, familia, amigos y desarrollo personal, pero antes de ver al futuro Leba, Dark, Seckir y Frank miran hacia el pasado y mientras recuerdan un poco con nostalgia y un poco con remordimiento el no haber iniciado antes y con más fuerza, y recuerdan que en la vida es posible lograr un sueño si te levantas todos los días con el afán de realizarlo porque, en su conocimiento como artistas que viven de esto, una persona está obligada a buscar algo que le apasione porque si no lo hace terminará mal.

Detalle Xfamilia en Querétaro 3 Foto de Eddgar Arcane

La X familia arrancó con la serie de murales Afluente que realiza pintas en el perímetro del Centro Cultural del Estado Manuel Gómez Morín, donde se llevará acabo El Festival el Agua es Una con la pieza “Al Vibrar de la Danza” en avenida Pasteur, sobre ella Frank escribe:

“Santa cruz que saludas con un resplandor a los cuatro ejes primarios
resultado de la comunión entre el sol y la luna
danza que unifica al hombre con el cosmos
generando armonía y equilibrio al vibrar de sus pies
cual aleteo de mariposas siendo libre
semilla que da vida
yaoyotl que resuenan uno a uno
asemejándose al caer de las gotas de lluvia
agua transmisor universal que purificas
y das vida a nuestras existencias”.

Xfamilia en Querétaro 5 Foto de Eddgar Arcane

En un país multidiverso, los 13 hermanos de 8 estados diferentes que componen la X famillia seguirán creando murales que busquen resaltar de manera real y profunda la identidad nacional con la finalidad de generar una nación en contacto con su orgullo, consciente de que es capaz de transcenderse y superar sus retos. Siempre en unión, siempre en colectivo, su trabajo nos recuerda que en México la X es de familia.